Lançado como um supergrupo no ano de 1981, o Asia é uma suposta banda de Progressive Rock formada por medalhões de bandas como Yes, King Crimson, Uriah Heep, ELP, Wishbone Ash, entre outros. Ok, mas porque “suposta”? Simples, apesar dos envolvidos no projeto, a sonoridade do Asia era muito mais AOR, Hard Rock e até mesmo POP em comparação ao que era praticado pelas suas bandas antigas, o que esmerilhou a expectativa de muitos fãs e até mesmo da crítica, ainda que a música fosse de ótima qualidade.

De qualquer forma, o lançamento do debut da banda foi um verdadeiro frisson entre o público, tanto para os que já apreciavam o trabalho de seus membros, quanto os novos, adquiridos com os novos hits, mais simples e atualizados (na época), que rodavam exaustivamente nas rádios e MTV’s da vida, tornando-os um dos alicerces do que viria a ser o Arena Rock (shows grandiosos, cheio de efeitos, meio futurista, embalados pelos sons de teclado). Após algumas idas e vindas ao longo destes quase 30 anos de carreira, o Asia estabeleceu uma formação estável desde 2007, chegando a atualidade resgatando muito da sua sonoridade antiga e, mesmo que não tenha a popularidade de outrora, mantém uma boa parcela de fãs ainda hoje.

“Omega”, lançado em 23 de abril deste ano, é o décimo segundo trabalho da banda e, se não apresenta nenhuma mudança drástica em sua sonoridade, mantém a grande qualidade na sua música, afinal de contas, é a formação original que está ali, com John Wetton, Carl Palmer, Steve Howe e Geoff Downes, e depois de todos esses anos, questionar as habilidades musicais desses sujeitos é perda de tempo. Produzido por Mike Paxman, as músicas continuam a ter aquele vigor até meio que inocente dos anos 80, com melodias felizes, refrões pegajosos e um clima bem positivo, a ser cantado em plenos pulmões nos shows. Mantendo a marca registrada, a arte gráfica foi desenhada pelo lendário Roger Dean, um dos maiores autores do Prog e mesmo ela tem um aura daquela época que chega a impressionar.

“Finger on the Trigger” foi o primeiro single deste álbum e abre o disco com um cheiro tão anos 80 que chega a ser estonteante. As melodias vocais, as linhas de teclado, o timbre da guitarra e principalmente os backing vocals são MUITO nostálgicos que chega a dar a impressão de estar em um daqueles shows cheios de gelo seco, pessoas com roupas apertadas e efeitos de luzes. Em seguida, “Through My Veins” mantém o ar oitentista, mas em um outro lado, já que, com um certo toque… Julio Iglesias (?), lembra meio que aquelas músicas que tocavam nas boates antigas, cheias de neón ou cidades a noite. A terceira, “Holy War” tem um que de Rock Britânico atual, mas quase imperceptível, ao passo que “Ever Yours” talvez seja o mais próximo de Rock Progressivo que possamos encontrar no álbum, uma balada com uma ótima melodia conduzida nos arranjos de teclado. “Listen, Children” é uma das mais legais e com um dos refrões mais pegajosos (bem animadinha) que soa até meio que atual, o oposto de “End Of The World”, totalmente vintage, chega a lembrar o Europe em alguns momentos, tendência que se segue no início de “Light The Way”, que ironicamente, é a menos “iluminada” do álbum, não tem nada de ruim, mas não chega a empolgar, sendo um dos pontos baixos da audição do álbum.

“Emily” é a bônus track dessa versão em digipack e se mostra uma das baladinhas mais legais do álbum, bem mela-cueca, com letras repetitivas e batidas, mas é tão anos 80 que a gente nem liga. “I’m Still The Same”, a nona música parece ter uns toques da banda Weezer (a melodia é muito familiar), mas como se tivesse sido composta uns 40 anos antes, com mudanças de andamento bem encaixadas, assim como “There Was A Time”, com sua levada meio Folk/Medieval, outra faceta bem interessante. “I Believe, outro single do álbum e, por mais bizarro que seja, eles já tem outra música com o mesmo nome (???), mas com certas mudanças no instrumental e na letra e, talvez por isso, tenha esse sentimento tão anos 80. O álbum encerra com “Don’t Wanna Lose You Now” e, é apenas uma opinião pessoal, mas fechar com uma balada é algo meio decepcionante, ainda mais se faltar um punch na música, e esta é exatamente assim, quase um balde de água fria no resto do trabalho.

Talvez o Asia não seja essencialmente Progressivo no seu som e soe até mesmo Pop na maioria das músicas, algo até mesmo natural se considerarmos a época que ele surgiu e os trabalhos que as bandas vinham lançando. Em todo caso, são uma banda importantíssima não apenas na história do Prog, mas do próprio Rock e merecem o devido tratamento, principalmente porque eles continuam na ativa depois desses 30 anos de carreira, fazendo turnê e lançando álbuns.

01. Finger On The Trigger
02. Through My Veins
03. Holy War
04. Ever Yours
05. Listen Children
06. End Of The World
07. Light The Way
08. Emily
09. Still The Same
10. There Was A Time
11. I Believe
12.  Don’t Wanna Lose You Know

Nota 8

Bons sonhos, crianças.

“Fiction”, lançado em 2007 estabeleceu o Dark Tranquillity como membro do panteão do Heavy Metal, afinal, foi o ponto em que o equilíbrio lógico entre peso. técnica e melodia foi alcançado, assim como o desenvolvimento dos conceitos líricos (a característica mais interessante deles, diga-se de passagem) e a produção. Sendo assim, ficava a dúvida: o próximo álbum vai manter a qualidade? A linha musical continuará inalterada ou continuarão as sutis experimentações, feitas desde o início da carreira?

“We Are The Void” foi lançado em 24 de fevereiro deste ano e, se não demonstrou uma mudança drástica na sonoridade da banda (como ocorreu no período Projector-Haven-Damage Done), acaba soando como um irmão mais velho, mais experiente e maduro do que o álbum anterior, mantendo a qualidade e a identidade da banda, acima de tudo (como anunciado pela própria banda, é intencionalmente a parte 2 de “Fiction”). Produzido pela própria banda, em seu estúdio na Suécia, as músicas são tão polidas (em contrate à sujeira que predominava no estilo anteriormente) e tão bem mixadas/masterizadas, que acabam não devendo em nada para os outros álbuns, que recebiam a assinatura registrada do lendário Fredrik Nordstrom.

O álbum estranhamente abre com “Shadow In Our Blood” e as suas muitas camadas de instrumentos, deixando óbvio já, uma tendência que veremos percorrer todo o álbum: como o teclado e os efeitos eletrônicos foram colocados quase a frente na mixagem final e a remodelagem que a voz de Mikael Stanne recebeu, mais rasgada e menos gutural, além de que, claramente podemos perceber uma timbragem diferente nos instrumentos, a própria bateria está bem mais seca, assim como a distorção das guitarras. “Dream Oblivion” foi uma das primeiras a serem divulgadas antes do lançamento do álbum e parecem um híbrido entre “Projector” e “Character”, uma música com um clima soturno e calcada no mid-tempo. Pianinhos eletrônicos dão ínicio a “The Fatalist” com seu riff quase Prog Metal, que cai depois em um típico MeloDeath, assim como “In My Abscence”, que tem a complexidade clássica do Dark Tranquillity e aquele refrão cadenciado e até mesmo melodioso, demonstrando como a voz de Stanne mudou principalmente nessa parte. “The Grandest Accusation” tem um quê da fase Haven, uma música mais cadenciada, soturna e cheia de efeitos, e uma das letras mais legais não apenas do álbum, mas de toda a carreira (é a primeira do álbum que Stanne canta co ma voz limpa, e mesmo essa, as diferenças são notáveis).

A música seguinte, “At The Point Of Ignition” também havia sido liberada no myspace, e me gerou um certo desconforto: a música é tipicamente Dark Tranquillity, mas a sensação que fica é que ela não se encaixaria na proposta de nenhum dos álbuns anteriores, sendo esse talvez a característica mais admirável dos suecos, que conseguem mudar o seu som em pontos que não destruam sua identidade, mas que tenham diferenças latentes entre si, como demonstrado também em “Her Silent Language”, possivelmente a música mais “levinha” do álbum, bem melódica, talvez diferente de tudo que a banda já tenha feito, com diversas mudanças de andamento nos seus 3 minutos e meio de duração. “Arkhangelsk” tem um acento bem do Fiction, com um clima pesado, gélido, quase Black Metal, onde o piano faz uma diferença inacreditável, enquanto a faixa-título (em partes), “I Am The Void” tem uma sonoridade quase Thrash Metal, onde Anders Jivarp volta a utilizar os malditos blastbeats (ainda que por alguns segundos) e os solos de guitarra são extremamente bem construídos, como na seguinte, “Surface The Infinite” (título genial), aí sim, com blastbeats a dar com rodo, uma música rápida a lá Character e técnica ao mesmo modo. A versão regular do álbum se encerra com “Iridium”, e assim como “The Mundane And The Magic”, se divide entre o Death e o Doom Metal, uma música que chega a ser triste, onde fica a impressão de que Mikael Stanne guardou toda a sua dramaticidade para essa música, extremamente densa e uma das melhores do álbum. O título dela me deixa intrigado assim como fiquei com “Icipher” do álbum anterior. Qual seria o verdadeiro significado? Bom, a versão que eu tenho aqui é a limitada, com duas músicas a mais, a saber “Star Of Nothingness”, uma instrumental bem calminha e soturna, ao estilo das bônus dos outros álbuns, e “To Where Fires Cannot Feed”, uma música bem Death Metal e passagens instrumentais bem sacadas. Até hoje não entendo qual o sentido de não colocar uma ou duas músicas a mais no álbum, mas ok.

“We Are The Void” é mais um marco na carreira da banda, na minha opinião, sem falha alguma por esses 20 anos que ela está ativa. A capacidade de metamorfose e da identidade que a banda tem é algo que deve ser admirado por várias outras e, talvez colocar o piano a frente dos instrumentos, sem diminuir o peso foram a grande jogada nesse trabalho, assim como a mudança do jeito de cantar de Mikael Stanne, só resta saber se elas serão mantidas nos próximos lançamentos, ou, o que é mais provável, quais mudanças testemunharemos.

01.Shadow In Our Blood
02. Dream Oblivion
03. The Fatalist
04. In My Absence
05. The Grandest Accusation
06. At the Point of Ignition
07. Her Silent Language
08. Arkhangelsk
09. I Am the Void
10. Surface the Infinite
11. Iridium
12. Star of Nothingness
13. To Where Fires Cannot Feed

Nota: 10

Bons sonhos, crianças

Diz o ditado popular que a linha que separa a genialidade da insanidade é um tanto quanto tênue e muitas vezes é uma questão de tempo para que se atravesse essa linha ou fique em cima dela, com um pé de cada lado. Daniel Gildenlow e o Pain Of Salvation são um dos maiores ícones do Rock/Metal Progressivo atualmente, alavancados pelos sucessos conceituais de “The Perfect Element” e “BE”, possivelmente dois grandes marcos do Progressivo no século XXI, que trazem toda uma gama de influências e ótimas idéias desenvolvidas em seu som. Após o estrondoroso sucesso de “BE”, onde a banda demonstrava ter chegado ao seu ápice progressivo, um álbum que envolvia filosofia, religião, humanidade e o fim do mundo, o lançamento do subseqüente “Scarsick” em 2007, chocou muita gente pelos experimentalismos e a dinâmica abordagem que foi dado a sonoridade. Considerado a segunda parte do álbum “The Perfect Element”, nunca havia se visto o Pain of Salvation tocando de forma tão pesada, direta, crua, incluindo ao seu som Disco Music, Surf Music, Rap e até mesmo New Metal, o que acabou dividindo a opinião dos fãs, sendo o mais polêmico da sua carreira.

Nesse meio tempo, a banda passou por uma drástica mudança do line-up: Kristoffer Gildenlow (irmão de Daniel) já havia abandonado o barco após a turnê do “BE” e o baterista de longa data Johan Langell saiu antes mesmo do início das gravações do EP “Linoleum”, que anteciparam o lançamento deste sétimo full-length, deixando Johan Hallgren, Frederik Hermansson e Daniel Gildenlow para continuar a banda (quem não se lembra dos dias que o site oficial deles ficou com um “the end?” escrito? Isso foi caótico). Porém, tudo deu certo e Léo Margarit foi recrutado para assumir as baquetas e o próprio Gildenlow tocou as linhas de baixo, enquanto um membro efetivo não é anunciado.

“Road Salt” inicialmente seria um álbum duplo, mas foi decidido pela própria banda que o mesmo deveria ser dividido em dois, a primeira, intitulada “Ivory”, lançada agora em 17 de Maio, pela legendária InsideOut, enquanto a outra deverá chegar ao mercado ainda em Outubro deste ano. Mas tudo bem, vocês podem estar se perguntando: E o que tem a ver a genialidade e a insanidade citadas no começo do review?

Bom, os trabalhos do PoS sempre beiraram a genialidade dos seus músicos, com obras beirando a perfeição, tão desenvolvidas que chegam a megalomania. Porém, em “Road Salt I: Ivory” é como se a banda desse uma guinada de 180°, reformulado o seu som de forma tão abrupta que pode chocar muito dos desavisados. Tanto as faixas no EP, quanto a faixa-título apresentada no Eurovision demonstravam que a banda até tentava uma sonoridade diferente, mas ainda tinha os pés fincados nas suas próprias raízes e identidade construída ao longo destes anos.

“No Way”, contudo, já abre o álbum com pé direito na porta e mão esquerda na cara do ouvinte mais descuidado. Uma levada meio jazzística e com várias mudanças de andamento, a característica mais marcante desta música (e que percorre em vários momentos do álbum) é que não é o vocal quem acompanha o instrumental, mas o inverso, como se as letras e as linhas tivessem sido escritas antes da música em si. Em seguida, “She Likes To Hide” é uma balada conduzida por uma guitarrinha mezzo-distorcida lá no fundo, demonstrando de vez que a verdadeira intenção deste álbum é soar bem soft e até mesmo um tanto quanto atmosférico (as músicas que realmente tem um “peso” considerável estão no final do álbum), como podemos ver também em “Sisters”, onde um piano cria um clima bem legal (apesar de carregado) com uma das letras mais legais do álbum e Gildenlöw demonstra a grande versatilidade na voz, que não é novidade prá ninguém. “Of Dust” vem em seguida, com um direcionamento meio… gregoriano? Chega a lembrar um pouco “Nauticus”, do álbum BE, com direito a narrações e tudo, nos seus curtíssimos 2 minutos e meio de música, chegando em “Tell Me You Don’t Know”, talvez uma das músicas mais “felizes” da banda, bem dançante e meio bluesy, uma pena que é tão curta.

A primeira coisa que me veio a cabeça quando ouvi “Sleeping Under The Stars”  foram as trilhas sonoras daqueles jogos épicos de RPG, tipo Final Fantasy, já que ela tem um clima meio operístico, medieval, folk, que chega a ser difícil classificar exatamente, mas é uma das mais interessantes, ainda mais com o tema, que parece tratar sobre prostituição ou algo do gênero. “Darkness Of Mine” resgata novamente o clima mais pesado e soturno, algo bem obscuro, remetendo as próprias músicas que bandas setentistas faziam nesse molde, enquanto “Linoleum” talvez seja a única realmente com um riff de guitarra (e que cama o órgão faz nessa música, pelamordedeus) e foi a faixa-título do EP que precedeu o álbum, sendo o mais próximo do Pain Of Salvation da década de 90 que podemos encontrar aqui (calcule o que é isso).  A 9º música, “Curiosity” tem um clima inglês que chega quase a irritar, apesar de não ser exatamente, ela parece ter umas nuances de Muse, aqui e acolá, e umas pitadas de Rock britânico, o que talvez também possa ser levemente identificado em “Where It Hurts”, uma música extremamente atmosférica e interpretativa (aliás, tem um riff ali que lembra MUITO uma música do Black Sabbath, não? Ou será que não é do Sabbath? Mas eu já ouvi em algum lugar). A faixa-título, que tinha me feito torcer o nariz na apresentação do Eurovision, é uma das minhas baladas favoritas da banda agora, todo o clima e, principalmente, a letra são muito interessantes, grudando logo de cara. O álbum fecha com “Innocence”, em todos os seus 7 minutos, inicia meio esquisito, já que o riff parece meio Grunge/Post-Grunge, principalmente pelo efeito escolhido para a guitarra. Várias partes dessa música (da sua metade em diante, principalmente) remetem a sonoridade do “The Perfect Element I”, em seus momentos mais progressivos e a letra parece cuspida desordenadamente, culminando em um desfecho praticamente cacofônico e desconexo.

Resta aí a dúvida: Seria essa a base para a parte dois do álbum? Ela seguirá a mesma linha, mais direta? Ou o álbum foi dividido para que fossem sonoramente distintas entre si também? Só podemos esperar até Outubro para termos estas perguntas sanadas, por enquanto, ouvimos a parte um, que continua a manter um padrão de excelência inacreditável para uma banda relativamente nova, que mesmo se remodelando e experimentando sons novos não perde a sua essência e tem perfeita noção do que quer fazer, como fazer e quando fazer.

Toma aí, mais uma masterpiece do Progressivo

01. No Way
02. She Likes To Hide
03. Sisters
04. Of Dust
05. Tell Me You Don’t Know
06. Sleeping Under The Stars
07. Darkness Of Mine
08. Linoleum
09. Curiosity
10. Where It Hurts
11. Road Salt
12. Innocence

Nota 10

Bons sonhos, crianças.

A história do We Are The Fallen começa em 2003 com a saída de Bem Moody, do até então queridinho da América, o Evanescence, que tinha acabado de lançar o multi-platinado “Fallen”, emplacando hits nas rádios e MTV’s como “Bring Me To Life” ou “Going Under” (quem não se lembra, heim?). Ironicamente, impactados com as novas direções musicais que a banda vinha tomando, Jon LeCompt e Rocky Gray também resolvem mudar de rumo e deixam o Evanescence (que depois disso, deu uma sumida dos holofotes). Ben Moody então, recruta LeCompte e Gray para formar uma nova banda, que remetesse ao estilo inicial de sua antiga banda. Aliado a isso, Moody conheceu Marty O’Brien (baixista) e formou a estrutura da banda, porém, sem uma voz definida ainda. Por um acaso do destino, ele foi apresentado por uma amiga em comum a Carly Smithson, participante (e finalista) do famoso American Idol, que estava cada vez mais descontente com a linha musical do programa, pois ficava limitada a algumas sonoridades, sem poder expressar a sua vontade criativa e mais de acordo com seus gostos pessoais, muito parecidos com do resto da banda. Sendo assim, em 2009, a banda se mostrou para o mundo através do single “Bury Me Alive”, uma música forte e marcante, demonstrando a completa similaridade com a banda de Amy Lee e compania, levando-os a um contrato com a major Universal Music. Com todo esse apoio de marketing e verba, então, a banda pode investir no lançamento do seu debut, seguido já por singles e vídeos em todas as esferas de mídias sociais, incluindo uma turnê pelos EUA.

Lançado no dia 11 de Maio, “Tear The World Down” já vem recebendo duras críticas pela similaridade com o Evanescence, o que é facilmente explicável: são três ex-membros, mais uma vocalista relativamente famosa, é mais do que evidente que eles não iriam arriscar logo no debut a fazer um som muito diferente, que pudesse desagradar os fãs, a crítica ou até mesmo a gravadora. E mesmo assim, podemos identificar umas boas diferenças, inclusive se compararmos as vozes: Carly Smithson tem uma voz bem mais forte e dinâmica, conseguindo se afastar um pouco da suavidade hipnótica de Amy Lee. No quesito instrumental, a banda é bem mais puxada para o Gothic Metal, com pitadas mais modernas, sem descambar para o New Metal, nem artificialidades comerciais e forçadas, principal fator que fez a qualidade de muitas bandas mainstream sumirem da história.

A banda resolveu abrir o álbum com o primeiro single “Bury Me Alive”, o que talvez seja algo meio arriscado. No mercado atual, principalmente, quem compra os álbuns é na espera de ver a música que toca incessantemente nas rádios, então, colocá-la como primeiro talvez possa interferir de forma negativa na vontade das pessoas de ouvir o restante do álbum, principalmente porque, o restante é bem mais dinâmico, fugindo um pouco da comercialidade. “Burn” a segunda música, é uma voadora na nuca do fã mainstream, lembrando em MUITO a sonoridade que o Evergrey fez nos últimos álbuns e Carly canta de uma maneira bem… Heavy Metal (?), tendência que segue nas próximas músicas. A terceira, “Paradigm” mantém o peso, mas se assemelha mais aos trabalhos que as bandas de Gothic passaram a fazer de uns anos prá cá, ou seja, consegue atingir tanto o fã passivo quanto o mais exigente, sendo que o único porém aqui é que ela cantou muito igual a Amy Lee, forçando demais os graves, diferente da seguinte pseudo-balada “Don’t Leave Me Behind”, cujo refrão é pegajoso demais até. Assim que “Sleep Well, My Angel” começou a tocar aqui, me veio a mente: “My Immortal”. A música totalmente conduzida no piano do We Are The Fallen, porém, consegue ser ainda mais suave com a voz de Carly Smithson dobrada, gerando um efeito muito legal, contrastando completamente com “Through Hell”, uma música com influências mezzo-eletrônicas mezzo-New Metal, e tem um refrão meio… The Calling (what?), mas é uma das mais interessantes do álbum. “I Will Stay” não tem nenhum atrativo em especial e acaba sendo apenas mais uma baladinha para adolescentes chorosas. “Without You”, por outro lado, é a mais interessante, lembrando incomodamente a sonoridade que o Nightwish adotou em “Once”, um refrão marcante e o piano desempenhando seu papel de forma brilhante, assim como em “St. John”, que voltar a apresentar uma sonoridade próxima do Evergrey e um que de Sentenced, até, com linhas vocais cheias de efeito, totalmente hipnóticas. O disco encerra com “I Am Only One”, outra balada no piano, tendo como único diferencial o jogo de vozes, e a faixa-título, com várias mudanças de andamento, várias idéias jogadas em uma música só, mas que acabam se encaixando e se tornando a mais legal do álbum todo, despertando o interesse de uma gama diversificada de possíveis fãs.

No fim das contas, o álbum é bem legal. Não traz nada de novo e soa socialmente comercial, como deve ser, ou seja, cumpre bem o seu papel. Por outro lado, parece que a banda tem uma certa vontade de experimentar sonoridades novas, então resta ficar de olho para acompanhar como serão os novos trabalhos dela.

E ah, Carly Smithson é gata prá caral**.

01. Bury Me Alive
02. Burn
03. Paradigm
04. Don’t Leave Me Behind
05. Sleep Well My Angel
06. Through Hell
07. I Will Stay
08. Without You
09. St. John
10. I Am Only One
11. Tear The World Down

Nota: 8

Bons sonhos, crianças.

Um dos três grandes nomes do Doom Metal inglês do final dos anos 80 e começo dos 90, junto com My Dying Bride e Paradise Lost, pode-se dizer que o Anathema foi aquele que mais modificou o seu som com o passar do tempo, metamorfoseando do clássico Death/Doom do início de carreira para algo bem mais soft, progressivo e atmosférico. Desde a época sob o nome de Pagan Angel, ainda, lá pelos idos de 1991, quando anotou o nome de Anathema (do grego, seria algo que trabalha dedicadamente para o mal) e estreou com o álbum “Serenades”, chegando a excursionar com o (pasmem) Cannibal Corpse e emplacar um vídeo de “Sweet Tears” na programação da MTV. Após a saída de Darren White, Vincent Cavanagh, até então guitarrista, assumiu os vocais, sendo esse o fator crucial para o novo direcionamento que a banda tomaria nos próximos anos, principalmente após o álbum “Eternity”, uma transgressão do Doom Metal inglês clássico para os campos do Atmospheric Rock, um som muito mais focado no ambiente, em viagens translúcidas e coisas do gênero.

A consolidação desse novo estilo ocorreu com o lançamento dos subseqüentes “Alternative 4” e “Judgement”, que focavam cada vez mais em experimentalismos e músicas lentas/calmas. Apesar da nova direção musical, pode-se notar até hoje, tanto pelos conceitos líricos ou pelas artes gráficas (verdadeiras obras), que a essência lá do início da banda continua praticamente intacta: o sentimento de desespero, depressão, muito bem demonstrado pelas interpretações de Vincent e os efeitos eletrônicos e de teclado, que tomaram cada vez mais importância nos álbuns “A Fine Day To Exit” , “A Natural Disaster” e, o mais recente, “Everything”, fazendo com que os mesmos fossem comparados a Pink Floyd e, até mesmo, o Radiohead.

Após um certo período de conturbação com a troca de gravadoras, alguns membros voltaram e estabilizaram o line-up com os três irmãos Cavanagh (Vincent, Daniel, Jamie), acompanhados do tecladista Lee Smith e o baterista Lee Douglas, e anunciaram o lançamento do seu mais novo trabalho “We’re Here Because We’re Here” (título genial, diga-se de passagem).

O oitavo da banda, produzido por Steven Wilson (Porcupine Tree), o álbum dá continuidade a sonoridade mais atmosférica já praticada pela banda, sem muitas mudanças bruscas com relação aos anteriores, até mesmo porque, após a audição, fica a incomoda impressão de que todas as músicas estão interligadas, como se elas não terminassem de fato, mas o seu final está conectado com o início da seguinte.

“Thin Air” abre o álbum e chega a ser até mesmo um tanto quanto “pesada” (calcule), principalmente devido ao fato de que ela vai crescendo ao longo dos seus 6 minutos de duração, terminando completamente diferente de como começou, chegando então em “SummerNight Horizon” que consegue ser ainda mais pesada que a faixa de abertura, remetendo um pouco ao próprio passado Doom da banda. Em seguida, “Dreaming Light” chega quase a ser uma balada pop (lembra um pouco bandas japonesas até) e até mesmo bem básica, conduzida no piano, com um refrão muito bem feito (um dos mais legais do álbum) e pegajoso. A quarta e quinta música, “Everything” e “Angels Walk Among Us” foram umas das primeiras músicas a serem liberadas no myspace, quando o álbum ainda se chamaria “Horizons”. A primeira é novamente conduzida no esquema piano-bateria-barulhinhos, cria o clima perfeito para a performance vocal de Vincent Cavanagh, e uma voz feminina ao fundo que eu sinceramente não sei de quem é, algo realmente atmosférico e até mesmo viajante, enquanto a outra tem a participação de Ville Valo, do HIM, e acaba agregando uma leve e quase imperceptível influencia deles, principalmente pela voz sussurrante e marcante do sujeito, enquanto o instrumental passa uma sensação de tranqüilidade inacreditável. “Presence”, em seguida é apenas um interlúdio, com aquele instrumental típico de apresentações de PowerPoint com uma narração que fica repetindo “Life is eternal” em eco, e, apesar de básica, o seu espaço no álbum foi muito bem pensado, pois ela abre espaço para a entrada de “A Simple Mistake”, uma balada bem progressiva que tem uma das letras mais interessantes da carreira do Anathema, ao longo dos seus oito minutos, terminando em um instrumental conturbado e até mesmo caótico, mas com um resultado incrível. A oitava música “Get Off, Get Out” parece agregar uma certa sonoridade do Rock inglês atual, um que de Muse e até mesmo de Radiohead ou Coldplay (nos seus momentos bons), tornando-se uma música até mesmo meio que deslocada nos seus experimentalismos, bem diferente das duas que encerram o álbum, “Universal” e “Hindsight”. Com seus 7 minutos, podemos dizer que a primeira é o equilíbrio entre Rock Progressivo e Atmospheric Rock, a letra cantada de forma lenta, introspectiva, tendo como base uma pulsação (seriam batidas de coração?) e ao que me parece, um quarteto de cordas, que faz um crescendo para a música até a sua metade, quando ela muda completamente e torna-se instrumental até o fim, pesada, levada no piano, que guia a música até mesmo nas partes mais cacofônicas. O álbum se encerra com “Hindsight”, com todos os seus 8 minutos de duração, iniciados com freqüências de rádio e uma narração, e a música, é um exemplo de instrumental, visto que pode ser percebida uma evolução clara e objetiva até o seu final.

Evidente, o Anathema provavelmente não tenha uma sonoridade de fácil absorção para a grande maioria, a não ser que já se esteja acostumado a bandas semelhantes. Porém, o trabalho deles é muitíssimo interessante e ótimo prá se ouvir em momentos de brisa total, de preferência como background para alguma coisa que se esteja fazendo no momento.

1. Thin Air
2. Summernight Horizon
3. Dreaming Light
4. Everything
5. Angels Walk Among Us
6. Presence
7. A Simple Mistake
8. Get Off, Get Out
9. Universal
10. Hindsight

Nota: 9

Bons sonhos, crianças.

Saudações Proggers!

Sejam bem vindo ao segundo episódio do Progcast

Nesta primeira parte do podcast descubra a história de uma das maiores lendas de todos os tempos…King Crimson. Acompanhe a história desta banda desde da sua criação até a primeira separação em 1974. Conheça as dificuldades das turnês, como era difícil viajar com um sintetizador dentro de um ônibus e saiba como seria se um grande cantor popular assumisse os vocais desta banda.Além disso, escute muita musica boa, pois nesse programa a trilha sonora foi selecionada para ilustrar as melhores passagens desta banda que influenciou todos os estilos de Rock ‘n Roll.

IMPORTANTE: A segunda parte deste programa irá ao ar na próxima sexta-feira de manhã, por isso, não deixem de conferir no nosso site ou em nosso feed.

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O que foi comentado no programa:   

• Capa de “In The Wake Of Poseidon” em alta resolução
• Vímana, a banda de Rock Progressivo obscura de Lobão, Lulu Santos e Ritchie

Comente, espalhe, divulgue xD

Goste ou não da banda, o Gamma Ray é indiscutivelmente uma das figuras mais importantes não apenas do Power Metal, mas também do próprio Heavy Metal. Fundado por Kai Hansen e Dirk Schlachter (após a saída do primeiro do outro pilar alemão, o Helloween) a banda encontrou o seu equilíbrio após a entrada de Henjo Richter e Dan Zimmermann (e olha que o grande Ralf Scheepers já foi o frontman nos três primeiros álbuns) em 1997, no clássico “Somewhere Out In Space”. Desde então, a banda acabou criando uma personalidade própria, diferente do Power Metal mais básico, voltando-se mais para o Heavy Metal tradicional europeu, e a temática meio futurista/espacial, mas que, acabou se estagnando por si mesmo. Os lançamentos “Powerplant”, “No World Order” e “Majestic” foram o desenvolvimento e o ápice da segunda identidade da banda que, mesmo com clássicos absolutos e indiscutíveis do estilo (Send Me A Sign, por exemplo) acabavam por soar muito parecidos entre si, já que a banda estava se agarrando a sua sonoridade com unhas e dentes, sem se preocupar muito com variações ou novos experimentalismos, processo parecido que ocorreu com bandas como Rhapsody ou Edguy na metade da década de 2000: a música era ótima, agradava os fãs, mas faltava um desenvolvimento ou mudança mais aparente para eles.

Particularmente, em “Land Of The Free II” a banda havia acabado para mim. Não consegui (e nem sei se consigo hoje) ouvir o álbum inteiro de uma vez só, tendo que digerir aos poucos, e mesmo assim não engolindo por inteiro. As músicas me soavam um tanto quanto maçantes e bem whatever, ou seja, acrescentavam pouco ou praticamente nada para a banda, além da quantidade de músicas, sendo assim, a forma como encarei o anúncio do lançamento de “To The Metal” foi um tanto quanto de nariz torcido. Tanto os samples antes do lançamento, como o título das músicas aparentavam um certo retrocesso na evolução da banda (parecia uma tentativa de ser o Primal Fear antigo, com letras sobre o Metal, música de forma básica, bem infantil), o que distanciava cada vez mais da aura histórica que a banda tem.

Pois bem, vamos ao álbum em si: “To The Metal” é o décimo álbum dos alemães e na época do seu lançamento recebeu um relativo número de críticas positivas, mas como pode ser percebido, praticamente passou em branco dentre os muitos outros releases do começo do ano.

Produzido no próprio estúdio do feioso Kai Hansen, na Alemanha, o timbre dos instrumentos, o equilíbrio sonoro e a masterização continuam impecáveis (como um bom álbum de Power Metal deve ser), o mesmo acontecendo com a arte da capa: a temática é bobinha, mas ficou muito bem desenhada. Mas já com relação à música….

“Empathy” é uma música bem soturna e lembra um pouco as mais pesadas do álbum “Majestic”, verso arrastado e refrão forte, ótima escolha. “All You Need To Know” e “Time To Live” são as de maior destaque, por assim dizer. A primeira tem a participação de Michael “arroz de festa” Kiske, e ambas trazem aquele clima de otimismo e felicidade típico dos clássicos absolutos “Keeper of the Seven Keys”, lá da década de 80, que devem funcionar muito bem ao vivo, aliás, como a própria faixa título, que apesar da ridicularidade é uma das mais empolgantes do álbum e com certeza será ponto alto das apresentações ao vivo da banda (tem até partes prontas para serem feitas ao vivo já… dá até prá imaginar a galera aos berros: “Haaaaaaaaaaaaaaaaaaail to the meeeetaaaaaaaal). As duas seguintes (a saber, “Rise” e “Mother Angel”) são os pontos fracos do trabalho. Apesar de serem relativamente pesadas/rápidas, não tem a melodia suficiente para impactar ou grudar o ouvinte, fazendo-o se interessar pelo restante do álbum. As linhas vocais parecem jogadas sem vontade e mesmo o refrão em coro não traz nenhum atrativo. “Shine Forever” e “Deadlands” são tipicamente Gamma Ray no seu jeito de ser, trazendo mais um pouco da sonoridade oitentista que empolgam qualquer um, assim como “Chasing Shadows” é uma típica canção de fechar o álbum, com uma temática épica e Kai Hansen dando o seu melhor no vocal, com melodias bem construídas e boas linhas de teclado. Porém, “No Need To Cry” encerra o álbum e é uma homenagem de Dirk ao seu pai, mas, apesar do gesto bonito, é uma péssima balada, e arrisco me dizer, a pior já composta pelo Gamma Ray, afinal, ela parece toda desencontrada, a música se desenvolve desenvolve e chega a lugar algum, infelizmente.

Ok, mas concluindo. É um álbum bom? Claro que sim, inclusive, o resgate de várias temáticas da raiz da banda ajudaram em muito e acabam sendo o ponto alto do trabalho, sendo infinitamente melhor que “Land of the Free II”. Lembrando que a banda está prestes a passar pelo Brasil, em apresentação única aqui em São Paulo, e é uma grande chance de vê-los de novo, até mesmo porque o show dos caras é espetacular.

Só esperamos que eles não dêem uma de Manowar e façam um set escrotr00 (\m/).

01. Empathy
02. All You Need To Know
03. Time To Live
04. To The Metal
05. Rise
06. Mother Angel
07. Shine Forever
08. Deadlands
09. Chasing Shadows
10. No Need To Cry

Nota: 7

Bons sonhos, crianças

Há!

Como eu disse, estive envolvido em um projeto que estava tomando muito do meu pouco tempo livre, por isso o Manifesto teve de dormir por um tempo.

Porém, aqui está o resultado:

Essa figura maluca que vos fala agora é membro de um Podcast e passará a fazer parte da programação semanal do blog.

O tema do podcast é Rock e Metal Progressivo, quem se interessar, cliquem na imagem abaixo e serão redirecionados diretamente para o post.

Bons sonhos, crianças… e enjoy it!

Há, pessoas!

Bom, o período de hibernação durou bem menos do que eu esperava.

Esse post é só prá isso! =D

Bons sonhos

Há pessoas

O Manifesto Morpheus está adormecendo durante essas semanas porque estou em um novo projeto que envolve, de certa forma, este próprio humilde blog.

Aguardem na semana que vem mais novidades e, se tudo der certo, já voltarei com mais posts (na verdade eu tenho vários esboços prontos, mas esqueci no computador do trabalho).

Só mais uns dias.

Até mais e

Bons sonhos, crianças.